Введение
Репортажные фото с концертов — одна из сложных разновидностей репортажного фото, где фотографа ожидает масса сложностей: малое количество времени на съемку, работа из толпы коллег либо слушателей, отдельные приключения в поисках вожделенной аккредитации на концерт. И все же делать концертные фото очень интересно: они, как никакие другие, способны передать энергетику исполнителей и привести к действительно впечатляющим снимкам. Серьезные музыкальные фотографы — народ, преданный делу.
Так как мы говорим о репортёрстве, не следует ожидать, что куча снимков с концерта будет фотографическими шедеврами. Напротив, особо удачные снимки появляются редко: например, в моём портфолио оказываются 2-3 фотографии с фестиваля, который длится три дня подряд по 8 часов.
Аккредитация
Аккредитация — она же «проходка», «фотопасс» — это ваше право осуществлять съемку на концерте. Социальные связи, договорённости, взаимодействие с менеджментом групп и хозяевами изданий — интегральная часть процесса получения аккредитации.
Когда приглашение подтверждают (за 2-3 дня, реже — в день события), горизонт чист — приходите на концертную площадку, ищите у входа человека, занимающегося пропуском по гостевым спискам. Он пропустит вас на концерт и выдаст атрибуты аккредитованного фотографа (бейдж или браслет). Как правило, вы имеете право снимать три песни из так называемого фотопита (пространства перед сценой, отделяющего музыкантов от аудитории). Если условия организаторов позволяют, съемку потом можно продолжить из зала. Некоторые команды требуют на этом этапе подписать релиз, в котором может быть всё что угодно — от просьбы не торговать потом снимками до передачи всех прав на отснятый материал группе на веки вечные за бесплатно.
Хорошим тоном (а иногда и требованием) является отсылка опубликованного отчета организаторам — они несомненно лучше запомнят вас и издание и легче пропустят на будущие события.
Фотосъемка
Как правило, из-за нехватки света концерт снимается на предельно допустимых параметрах, которые только могут обеспечить максимальную экспозицию без потери резкости. Ситуация разительно отличается от студийной, где можно проконтролировать все параметры. Оговорюсь, что есть ситуации, когда мы сознательно отказываемся от технически правильного кадра (намеренный смаз или нерезкость, намеренное отклонение от оптимальной экспозиции), но в первую очередь следует знать, как добиться резкого корректно экспонированного кадра. С диафрагмой всё просто: чаще всего вы будете держать её открытой, жертвуя глубиной резкости ради адекватной экспозиции. С чувствительностью особого выбора тоже нет: скорее всего, вам придется использовать максимальную рабочую чувствительность (как правило, в районе ISO 1600). Выбор выдержки диктуется получением резкой картинки, когда фотоаппарат держится нами в руках (присутствует «шевелёнка») и объект тоже не стоит на месте. Классическое правило про исключение «шевелёнки» гласит, что выдержка должна быть короче обратного фокусного расстояния (то есть для фокусного расстяния 80 мм нам понадобится выдержка не длиннее 1/80 сек). Это значение должно быть сокращено ещё сильнее, так как даже при стабильной камере наш объект будет смазываться за счет собственного движения. Практика даёт для активно движущегося музыканта выдержки короче 1/160 сек. Для фиксации «хедбенгинга» (размахивания длинными волосами) потребуется использовать выдержки короче 1/400.
Как правило, я стараюсь фокусироваться по глазам артиста, как это делается на портретах. При съемке я продолжаю отслеживать попадание в экспозицию по показаниям экспонометра в видоискателе и по гистограмме на дисплее камеры. Показ гистограммы я вывел на «быструю кнопку» на корпусе камеры. На другую быструю кнопку у меня выведен режим LiveView для оперативного доступа к визированию по экрану.
Съемка в движении — порочная практика: на самом деле, следует делать всё возможное, чтобы камера в момент съемки была неподвижна. Привыкните фотографировать, стоя на месте (замерев) и обязательно задержав дыхание — пока вы дышите, вы шевелитесь. При возможности — обопритесь на статичный объект.
Аккуратность в построении кадра
Очередной важный аспект — это понимание того, к какому результату мы стремимся. Увы, огромный процент концертных фотографов удовлетворяется лишь техническим качеством снимка, но совершенно забывает о его экспрессивности.
Сеть заполнена «репортажами» о том, что у музыканта на сцене две руки, две ноги, музыкальный инструмент, кислое выражение на лице и высокохудожественная поза «я прислонился к микрофонной стойке и уныло смотрю в пространство». Для успешного результата требуется хорошо чувствовать, что происходит в кадре.
Первое и главное, на что следует обращать внимание — это свет.
на концерте, если вы встанете со стороны, противоположной прожектору, освещающему лицо музыканта, он будет выглядеть интереснее, менее «плоско». Этот прием становится ключевым при концертах на открытом воздухе, где на сцену светит яркое, «жесткое» солнце — дополнительным плюсом съемки с такого ракурса будет уменьшение сильно пересвеченных солнцем участков. При этом теневая сторона фигуры музыканта проработается, так как будет освещаться за счет «заполняющего» солнечного света, отраженного от сцены.
Сравните, как плоско и чересчур ярко освещается лицо с солнечной стороны (врезка) и как хорош результат при съемке с теневой стороны.
"Фото с концертов" Die Apokalyptischen Reiter, FME 2012, Helsinki, Finland
Ключ к успешной съемке — сосредоточение, постоянное выхватывание из потока событий интересных моментов.
В процессе съемки важно «не терять голову» и постоянно следить, не портит ли неплохой кадр неучтенная деталь. Как правило, микрофон не должен заслонять рот музыканта полностью. Фотографы располагаются ниже музыканта, но это не должно приводить к снимкам, на которых виден только подбородок.
Фотографии начинающих репортажников обычно содержат лишь какую-то одну интересную деталь — например, артиста в интересной позе среди совершенно посторонних объектов. С опытом, интересных деталей в кадре оказывается больше: человек начинает обращать внимание на фильтрацию «мусора в кадре», на взаимодействие фона и переднего плана, начинает быстрее успевать за событиями. Мастерски выполненным я бы счел кадр, где уникальная, длящаяся доли секунды ситуация заснята с максимальным техническим качеством: такая картинка автоматически выделяется из серой массы.
Бывает, что интересные вещи можно снять одновременно на диаметрально различные фокусные расстояния. Именно по этой причине особо преданные делу репортажные фотографы носят вторую камеру, чтобы не тратить время на смену оптики.
"Фото с концертов" Kamelot, 2008, Teatria, Oulu
Брать ли вспышку?
Вспышка — однозначное зло, скажут вам фотографы «из большинства», по их мнению, она убьет атмосферу. На самом деле, правы они лишь отчасти — в случае использования мощной вспышки «в лоб». Но есть ряд тонкостей. Современные накамерные вспышки имеют вращающиеся «головы» и регулируемую мощность.
Причин для использования вспышки может быть несколько:
- необходимость хоть как-то подсветить артиста.
При съемке «в лоб» мощность вспышки следует установить на значение, которое будет удачно сочетаться с имеющимся сценическим светом. Естественно (как при любой съемке с комбинацией импульсного и постоянного света) выдержка должна быть подобрана таким образом, чтобы сценический свет успел зафиксироваться — он нам нужен для создания эффектного заднего плана.
Если вы дружны с музыкантами и вхожи в гримерку, вспышка поможет по ходу дела отснять технически качественный репортажный материал «из-за кулис».
Следует оговориться, что на абсолютном большинстве серьезных концертов вспышка запрещена и единственным результатом её использования окажутся проблемы со службой безопасности.
Если, например, вы пришли в тёмный клуб, где одиноко светят куда попало два прожектора, а группа играет в романтичной темноте, в которой сделать не то что интересный, а вообще любой снимок невозможно? Именно тогда эксперименты со вспышкой позволяют добиться достаточно сильных результатов, создать атмосферу своими силами.
Комментарии: